Durée : 70
Prix : Finançable AFDAS et France Travail

Inscription et intervenants

Du 9 mars 2026 au 20 mars 2026

CARRIÈRE ET PERFORMANCE FACE CAMÉRA, c’est une formation intensive pensée pour des acteur.trice.s confirmé.e.s qui savent déjà jouer, mais qui veulent franchir un vrai cap : faire la différence à l’image, élargir leur territoire de jeu, et accéder à des rôles qu’ils n’atteignent pas encore.

 Ici, on ne vient pas “faire des exercices”. On vient affûter une identité d’acteur.trice, consolider une signature, et développer une puissance de proposition qui attire. La formation démarre par un bilan précis et sans complaisance à partir de ta bande démo et de scènes filmées en session. Dès la première journée, tu repars avec une vision claire de ton positionnement artistique : registre, emploi, énergie, style, singularité, et direction à viser. Tu sais ce que tu dégages à l’image, ce que tu portes naturellement, et ce qui doit évoluer pour passer au niveau supérieur.

 Ensuite, on attaque ce qui distingue un bon acteur d’un acteur recherché. L’art du choix, d’abord : contourner les évidences, sortir du “juste mais attendu”, construire des propositions fortes, lisibles, singulières. Puis la maîtrise fine de l’outil : placement de la voix, intonation, intention, rythme, silences, ruptures, écoute réelle du partenaire. On travaille la lecture du texte et du personnage à un niveau professionnel : structure, enjeu, trajectoire, sous-texte, retournements, actions jouables. Tu apprends à arriver sur une scène avec une colonne vertébrale solide, et une liberté totale.

 La grande différence de cette formation, c’est l’exigence “niveau premier rôle”. On te met en situation comme sur un plateau : on tourne, on ajuste, on recommence, on stabilise. Tu développes la répétabilité, la capacité à varier sans te trahir, et surtout une agilité de plateau : comprendre une indication, l’exécuter rapidement, proposer plusieurs versions, produire une matière vivante, organique, précise, et constante. Le but n’est pas de “faire une belle prise”, mais d’être capable de livrer, à la demande, une performance claire et inspirée, prise après prise.

 Et parce qu’un rôle ne se joue pas seul, on travaille aussi ce qui fait passer un acteur.trice de performant.e à incontournable : le leadership de plateau. Porter une scène sans écraser, embarquer le partenaire, soutenir l’équipe, rester fiable, efficace, et créatif.ve sous contrainte. Cette posture change tout : elle élève la scène, sécurise la mise en scène, et donne envie de te confier plus.

 CARRIÈRE ET PERFORMANCE FACE CAMÉRA est aussi une passerelle idéale pour les acteur.trice.s de théâtre qui veulent réussir leur passage à l’image : comprendre les codes, affiner l’intensité, gagner en précision et en économie, sans perdre leur force.

 Au final, tu repars avec des scènes filmées, un diagnostic clair, des axes de travail concrets, et un plan d’action post-formation. Mais surtout, tu repars avec une chose rare : une proposition d’acteur.trice identifiable, mémorable, et prête pour le niveau d’après.

Durée: 70.00 heures (10.00 jours)

Profils des stagiaires

• Acteur.trice.s confirmé.es (professionnel.les ou en voie de professionnalisation avancée) souhaitant franchir un cap artistique et stratégique face caméra, consolider une signature de jeu, et gagner en impact, précision et constance.
• Acteur.trice.s de théâtre souhaitant réussir leur passage à l’image.

Prérequis

• Expérience avérée du jeu (tournages, projets, école avancée, stages intensifs, ou volume d’heures significatif).
• Disposer d’une bande démo (même courte) ou d’extraits de jeu récents.
• Être en capacité de travailler sur des scènes dialoguées (mémorisation, répétitions, disponibilité au partenaire).

Objectifs pédagogiques

 

1. Réaliser un bilan de jeu complet à partir de la bande démo et de séquences filmées en session.
2. Identifier son positionnement artistique : registre, emploi, énergie, style, et axes de différenciation.
3. Renforcer placement de la voix, intonation, et intention pour gagner en impact à l’image.
4. Comprendre un texte et un personnage en profondeur : structure, enjeu, trajectoire, sous-texte.
5. Contourner les évidences et construire des choix singuliers, justes et lisibles.
6. Développer une confiance “niveau premier rôle” : présence, calme, leadership, constance.
7. Travailler avec une exigence professionnelle : précision, écoute, répétabilité, variations.
8. Passer d’un jeu “correct” à une proposition qui attire et élève une mise en scène. Savoir recevoir des indications et transformer ces propositions en matière vivante et cohérente, nuancée et inspirée, qui enrichit la scène sans se trahir.
9. Maîtriser le rythme et la précision : respiration, silences, ruptures, accélérations, et surtout l’écoute, celle du partenaire, du texte et de soi-même, pour rester pleinement présent dans chaque instant de jeu.
10. Développer une “signature” de jeu : ce qui rend identifiable et mémorable, sans cliché.
11. Construire un plan d’action individuel post-formation (axes de travail, scènes types, stratégie de progression).
12. Développer une agilité de plateau : comprendre l’intention derrière une indication, l’exécuter rapidement, tester des variations, et produire une matière de jeu organique, précise et répétable.
13. Développer un leadership d’acteur.trice sur un plateau : porter le rôle, sublimer la scène, et embarquer partenaires et équipe par une présence claire, une écoute active et une collaboration professionnelle.

 

Contenu de la formation

1. Bilan de jeu complet (bande démo + session filmée)
   • Contenu : visionnage guidé, grille d’analyse (lisibilité, impact, cohérence), repérage forces et axes, priorisation, objectifs individuels.
2. Positionnement artistique et différenciation
   • Contenu : analyse “image et type”, emploi/registre, énergie, axes de singularité, cohérence avec scènes et rôles, définition de scènes types.
3. Voix, intonation, intention, impact à l’image
   • Contenu : souffle et soutien, articulation, placement, attaques et fins, musicalité, intention, sous-texte audible, variations de niveau.
4. Analyse de texte et compréhension du personnage
   • Contenu : structure de scène (objectif, obstacle, stratégie, retournements), enjeu, trajectoire, sous-texte, actions jouables, point de bascule.
5. Choix singuliers et anti-évidence
   • Contenu : identification des automatismes et intentions attendues, création de propositions singulières, clarté et lisibilité, relief sans surcharge, ajustements sans se trahir.
6. Confiance “niveau premier rôle”
   • Contenu : calme actif, densité, présence stable, leadership de scène, gestion du stress performance, constance prise après prise, préparation mentale et focus.
7. Exigence professionnelle et répétabilité
   • Contenu : précision, écoute totale, répétition vivante, continuité, répétabilité, variations contrôlées (tempo, intensité, silence, regard), fiabilité d’exécution.
8. Élever la mise en scène (du “correct” à la proposition forte)
   • Contenu : axe clair, proposition qui sert la scène, économie et focalisation “cinéma”, intensité juste, enrichir sans voler, cohérence d’ensemble, ajustements de direction.
9. Recevoir des indications et les transformer en matière vivante
   • Contenu : écoute, reformulation, compréhension de l’intention derrière l’indication, traduction en actions jouables, intégration rapide, tests, correction, stabilisation, nuancer sans se trahir.
10. Rythme, respiration, silences, ruptures, écoute
    • Contenu : tempo interne, respirations utiles, silences porteurs, ruptures, accélérations, précision de l’instant, écoute partenaire/texte/soi, présence sans anticipation.
11. Signature de jeu
    • Contenu : identifier sa signature, distinguer signature et tics, cohérence artistique, amplitude, adaptabilité selon genre, scènes “signature” et “élargissement”, identité à l’image.
12. Agilité de plateau
    • Contenu : exécution rapide, indications successives, 2 à 3 versions nettes (A/B/C), matière organique et précise, répétabilité, constance, efficacité sous contrainte (temps, marques, ton).
13. Leadership sur un plateau
    • Contenu : fiabilité, préparation, communication utile, leadership sans écraser, embarquer partenaires et équipe, soutenir le partenaire, tenir le centre, efficacité plateau, collaboration au service de la mise en scène.

 

Critère de réussite et évaluation associée

 

Bilan de jeu complet (bande démo + session filmée)
Critères de réussite : bilan écrit complet avec 3 forces, 3 axes d’amélioration, 2 priorités de travail et 1 objectif mesurable.
Évaluation associée : diagnostic initial + restitution orale de 2 minutes + grille d’évaluation remplie.

 

Positionnement artistique et différenciation
Critères de réussite : fiche positionnement finalisée (emploi principal + emploi secondaire, 2 registres maîtrisés, 1 axe de différenciation, 3 scènes types cohérentes).
Évaluation associée : validation formateur sur fiche + test caméra court confirmant la lisibilité du positionnement.

 

Voix, intonation, intention, impact à l’image
Critères de réussite : prise filmée démontrant placement stable, articulation claire, intention lisible, et capacité à proposer 3 nuances d’une même réplique sans perdre l’axe.
Évaluation associée : exercice filmé “avant/après” sur texte identique + grille voix (clarté, intention, rythme, présence).

 

Analyse de texte et compréhension du personnage
Critères de réussite : fiche scène complétée (enjeu, objectif, obstacle, stratégie, point de bascule, trajectoire, sous-texte clé) + jeu cohérent avec la structure identifiée.
Évaluation associée : contrôle de la fiche + scène filmée courte évaluée sur lisibilité de l’enjeu et trajectoire.

 

Choix singuliers et anti-évidence
Critères de réussite : 2 propositions distinctes (version A / version B) sur la même scène, toutes deux justes, lisibles, et non attendues, sans surcharge ni cliché.
Évaluation associée : tournage comparatif A/B + feedback formateur sur singularité, clarté et cohérence.

 

 

Confiance “niveau premier rôle”
Critères de réussite : capacité à tenir une présence stable et dense sur 3 prises consécutives, avec calme, écoute et continuité émotionnelle.
Évaluation associée : exercice filmé “3 prises” + auto-évaluation guidée + retour formateur sur présence, calme, constance.

 

Exigence professionnelle et répétabilité
Critères de réussite : reproduction fidèle d’une proposition de jeu sur 2 prises (axes clés conservés) + 2 variations contrôlées demandées sans perte d’écoute ni de cohérence.
Évaluation associée : exercice filmé “répéter puis varier” + grille répétabilité (axe, intention, écoute, continuité, précision).

 

Élever la mise en scène (du “correct” à la proposition forte)
Critères de réussite : scène filmée où la proposition est claire, utile à la mise en scène, et apporte du relief sans surjeu, avec une trajectoire lisible.
Évaluation associée : scène filmée dirigée + grille d’évaluation (lisibilité, relief, service de la scène) + retour formateur.

 

Recevoir des indications et les transformer en matière vivante
Critères de réussite : intégration d’une indication en 2 prises maximum, avec amélioration visible sur le critère demandé (rythme, intention, enjeu, écoute, placement).
Évaluation associée : exercice filmé “indications successives” + mesure du temps d’intégration + feedback formateur.

 

Rythme, respiration, silences, ruptures, écoute
Critères de réussite : scène filmée avec tempo maîtrisé, silences justifiés, ruptures lisibles, respiration utile, et écoute pleinement présente (sans anticipation).
Évaluation associée : exercice filmé “rythme imposé” + scène libre + grille rythme (tempo, silences, ruptures, présence, écoute).

Signature de jeu
Critères de réussite : 1 scène “signature” + 1 scène “élargissement” montrant une identité à l’image identifiable, cohérente, et adaptable, sans tics ni clichés.
Évaluation associée : comparaison filmée des deux scènes + retour formateur + auto-évaluation “signature” (forces, vigilance, axes).

 

Agilité de plateau (Option 3)
Critères de réussite : exécution rapide d’une indication avec 3 versions nettes (A/B/C) en temps contraint, toutes cohérentes avec l’axe du personnage, et répétables.
Évaluation associée : exercice filmé chronométré + grille agilité (compréhension, vitesse, qualité, variations, répétabilité).

 

Leadership sur un plateau
Critères de réussite : mise en situation filmée où l’acteur.trice tient l’axe du rôle, soutient le partenaire, communique de façon utile, et embarque le groupe dans une dynamique de scène constructive.
Évaluation associée : scène filmée “leadership plateau” + feedback croisé (formateur + pairs) + auto-évaluation sur posture, collaboration, efficacité.

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Bas du formulaire

 

Organisation de la formation

 

Equipe pédagogique :

Réalisateur.rice / Coach vocal / script consultant et/ou metteur en scène/Acting coach face caméra/Coach mental + comédien.ne premier rôle/ Directeur.rice de casting.

(Liste des intervenants sur demande).

Moyens pédagogiques et techniques

• Travail filmé en conditions caméra (scènes, prises, variations, retours).
• Retours individualisés, précis, orientés progression.
• Alternance apports techniques, exercices ciblés, mises en situation, répétitions, tournages courts.
• Travail en binômes et en collectif (écoute partenaire, rythme, constance, collaboration plateau).

 

Dispositif de suivi de l’exécution de l’évaluation des résultats de la formation

• Évaluation diagnostique initiale (bande démo + première prise filmée).
• Évaluations formatives tout au long de la formation (grilles, retours, exercices filmés).
• Évaluation finale (scène de synthèse filmée avec contraintes : indication imposée, variation, rythme, leadership).
• Auto-évaluation (grille) + plan d’action individuel post-formation.